8.24.2015

Go Go Power Rangers!!

Entretenimiento para niños, héroes enmascarados, artes marciales, robots gigantes contra monstruos y mucho más. Los héroes enmascarados vienen de muy lejos como el cómic americano o aventuras radiofónicas como el Llanero Solitario o el Zorro; las artes marciales "las trajo" Bruce Lee entre los 60 y 70 y los robots gigantes vienen del kaiju eiga japonés, donde Gô Nagai, Shotaro Ishinomori o Osamu Tezuka se atrevieron a publicar mangas de ese género. Fue también en Japón donde todos esos ingredientes se metieron en una gran coctelera y produjeron series de enorme éxito. A veces se trataba de un sólo justiciero contra el mal, aunque muchas veces solía tener ayudas místicas, mágicas o mecánicas especiales, o contar con una organización detrás. En este caso, como Ultraman, Kamen Rider o Tiger Mask son los tokusatsus. Sin embargo, si se trata de una patrulla enmascarada de jóvenes que pelean por la justicia y que cada uno va debidamente identificado con un color, un arma y un poder distinto, nos encontramos con los sentai.

Pese a que en España se emitieron de los dos tipos, los sentai ganan en fama y popularidad por goleada, sobre todo durante los 90. Todo gracias a la versión que dos israelíes nacionalizados estadounidenses amantes de estas series produjeron. Así nacieron los Mighty Morphin Power Rangers.

Cuatro palabras, al igual que Teenage Mutant Ninja Turtles que describían la serie. Si bien mighty y power son un poco reiterativas, estaba claro que se trataban de unos rangers, un grupo o comando de élite, y que se transformaban. Haim Saban y Shuki Levy eran dos productores musicales y compositores israelíes que decidieron cumplir el sueño americano. Se convirtieron en productores de televisión y se encargaron de las versiones estadounidenses de algunas series de anime como La aldea del arce o producciones de DIC. Además, componían la música para el mercado americano de muchas de ellas. En los 90 se decidieron a adaptar estas producciones japonesas al público americano. Aquí ya conocíamos Bioman, una serie bastante oscura con muchos momentos dramáticos en donde vimos por primera vez a robots gigantes combinandose para formar un super robot, o a Ultraman.

La censura, el tratar al espectador como un niño pequeño o la inclusión por decreto-ley de personaje(s) como recurso cómico fueron alguna de las grandes diferencias entre versiones. Básicamente tomaban las escenas de transformaciones, combates y robots de las series japonesas y se dedicaron a filmar lo que los personajes cuando iban de paisano hacían. Puede ser controvertido hoy en día cuando hay grupos de seguidores que gracias a internet conocen el original y pudiesen tacharlo de una falta de respeto o algo innecesario, pero allá a mediados de los 90 arrasó... y vaya si arrasó. Los Power Rangers fueron una inmensa gallina de los huevos de oro, y tanto la serie, las películas que se hicieron, los miles de disfraces y los millones y millones de los juguetes de la serie son buena prueba de ello.

En Japón, la Toei lleva produciendo estas series desde 1975, y a ritmo anual desde el 1979. A estas 39 producciones que la mayoría tiene de media 50 episodios debe sumarse 51 películas en los cines, 21 especiales de crossovers y regresos, y 22 especiales que o bien venían en revistas, o bien salían en vídeo o DVD, más algunas series paralelas de homenaje o parodia. Así es, una industria enorme que año tras año sigue en marcha, cada una con un tema distinto, ya sean policías, justicieros, magos, dinosaurios, bestias, samurais, piratas, coches, aviones, etc. Normalmente todas las series versan en torno a un grupo de jóvenes reunidos mediante un mentor para combatir el mal mientras viven su día a día. Los rangers son el único obstáculo en los planes de los villanos.



Si bien comienzan luchando contra minions irrelevantes, con enemigos más poderosos deberán recurrir a la transformación gracias a un dispositivo o artefacto determinado que les permitirá transformarse en un guerrero enmascarado de un color determinado, muchas veces con su pose o su tick gestual determinado en esas escenas sin rostros. Si el poder del rival aumenta, lo combatirán con armas o incluso combinando esas armas. Si aún así no pueden o si el rival se vuelve gigante, invocarán a vehículos gigantes que se podrán combinar para derrotarlo... y así sucesivamente a lo largo de todos estos años. Si es algo tan estereotípico y tan repetitivo... ¿Por qué tiene tantísimo éxito y por qué año tras año se producen estas series? Una mezcla atractiva de elementos, consumismo y marketing o algo vivo año tras año que los niños pueden encontrar en la tele. No puedo responder exactamente a esa pregunta ya que está muy interrelacionada con la idiosincrasia japonesa, pero más adelante intentaré responder al porqué tuvo tanto éxito aquí en mi país. Pasamos a hablar de la versión estadounidense, sobre todo del origen o la madre que parió a todas las sucesivas: Mighty Morphin Power Rangers


Para ser representativo en la sociedad y poner valores de integración, multiculturalismo y multi racial reunían a rubios, morenos, pelirrojos... blancos, negros, latinos, asiáticos, etc. La igualdad de género era un ideal, y de cinco o seis miembros, al menos dos rangers eran chicas, para que quedara claro que combatir el mal no estaba restringido a los chicos. Teniendo en cuenta este ideal de pluralidad, los casting fueron bien acertados en reflejar los términos anteriormente mencionados, pero la edad de los actores no se correspondía ni mucho menos a la edad de los alumnos de instituto que pretendían representar, algo bastante típico en las series americanas en general. Angel Grove es una ciudad prototípica americana, y en el instituto de esta localidad estudian nuestros héroes:
  • Jason es profesor de artes marciales en el Juice Bar, que es la cantina del instituto. También es muy bueno en otros deportes y un lider nato. Se le encomienda el poder del tiranosaurio rojo. El rojo, como se podrá ver en todas estas producciones, suele ser el color del líder.
  • Zack tiene su propia arte marcial que combina la lucha con el hip hop. Alegre y animado es el primer Power Ranger negro, y su poder lo toma del mamut.
  • Billy, rubio, pálido y con gafas es evidentemente el empollón del grupo, experto en informática y estudioso. Pese a que al principio su fortaleza quedaba lejos del resto, su valor y tenacidad le hacen dar alcance para encarnar dignamente al triceratops azul.
  • Kimberly es la gimnasta y la niña pija del grupo. Comienza bastante presumida pero luego evoluciona a alguien más comprensivo y altruista. Le toca el pteranodón rosa.
  • Trini es asiática y la segunda chica del grupo. Pacífica, pacifista y espiritual encarna esa personalidad comprensiva que se preocupa por los temas sociales, la ecología, etc. Ella es el smilodón amarillo.
Ellos son los cinco originales, y si bien en su día no se puso tanto énfasis en la decisión de los colores, hoy en día con una mentalidad extrema de lo políticamente correcto se considera extremadamente racista el asignar el traje negro a alguien de raza negra y el amarillo a una asiática. Creo que ese razonamiento está bastante sobredimensionado en la actualidad. El color que representaban no era una representación del típico negro o asiático como personajes de concepto racial. Para un niño es más fácil de asociar, pero al menos entre mi entorno no dabamos más atención al asunto tanto como para decir: "Jo tío, vaya serie tan racista". Casi que es más forzoso los intentos posteriores de ser demasiado politicamente correcto y que ninguno coincida.

Durante un terremoto se ven teletransportados a una sala de ordenadores misteriosa, donde un hombre en un tubo gigante llamado Zordon, junto con su robot criado Alpha 5 les comunica que son los elegidos para combatir el mal, ya que la malvada emperatriz hechicera Rita Repulsa ha escapado de su prisión lunar y amenaza la localidad de Angel Grove. Meterse con la tierra en general suponemos que era demasiado. Los muchachos son bastante escépticos, pero logran derrotar un grupo de minions llamados masillas (potties) que son obra del ingeniero de Rita, quien los esculpe en barro para que Rita les de vida. Así la serie planea en un principio en ciencia y tecnología contra magia y brujería.

Harta de que frustren sus planes, Rita planea diseñar a su propio ranger de color verde. Para ello Tommy, el chico nuevo del instituto de pelo largo, descendiente de nativos de Norteamérica y que compite a menudo contra Jason sobre todo en karate es el candidato idoneo. Como suele suceder en los shônen, pasará a formar parte del equipo de los buenos. Cambiará su color creado por el mal por el blanco. Tendrá un aspecto mucho más chulo que el resto y así Tommy, de la noche a la mañana, se convertirá no sólo en el sexto power ranger, sino en el líder del equipo. Al igual que la irrupción de Trunks en Dragon Ball, esto fue algo que me irritó bastante, cómo alguien así de pronto va y acapara toda la atención mientras el resto que lleva dando el callo desde el principio se quedan como meros comparsas. Sin embargo, estamos ante el Power Ranger que más tiempo ha servido como tal, ya que incluso en temporadas muy posteriores seguía apareciendo. Verde, blanco, rojo, negro... sólo le faltó ser el rosa en su currículum.


Un concurso internacional de un organismo tipo Naciones Unidas selecciona a Jason, Zack y Trini (rojo, negro y amarillo) para que les represente, así que les cambian por otros estudiantes (discrepancias de los actores con su sueldo). Más adelante Kim (rosa) enamorada de Tommy (blanco), dejará Angel Grove por una beca de gimnasia (otra vez el sueldo) y su substituta será una gata que en un principio adoptaron pero que los malvados transformaron en humana para ser la rival sentimental de Kim y crear discordancias en el grupo.

A Rita le sucedió Lord Zedd, su superior, en la segunda temporada, un villano de aspecto imponente con los músculos y el cerebro a la vista y con una máscara bien chula. Fue un alivio prescindir de la estridencia e irritabilidad de Rita Repulsa. En la tercera temporada se incluyó a Master Vile, el padre de Rita. Sí, la primera serie contó con tres temporadas, lo que hizo que reutilizasen mucho material del sentai original e incluso que la Toei produjese metraje específicamente para la versión estadounidense. La serie contó con una película en cines que tuvo su éxito. La primera continuación llevó por apellido Zeo, y combatían contra un imperio mecánico, aunque Zedd y Rita todavía aparecían... e incluso se casaron. Ahí Billy ya no era el ranger azul, sino el mecánico del grupo, aunque se marcharía mediada la temporada también por desavenencias económicas u homófobas, según relata el actor en su biografía posterior.

La siguiente continuación se llamó Turbo, y vino precedida de otra película en los cines, con la estrafalaria decisión de poner a un niño de 12 años bastante irritante como nuevo ranger azul. Otra decisión radical fue cambiar a todo el equipo al completo a excepción del susodicho niño. La próxima serie fue In Space, y con ella dio por concluido el arco de Zordon. En busca de rivales más y más fuertes abandonaron Angel Grove y se mudaron a naves y estaciones espaciales. Otros mundos y planetas con más aliados y villanos. Ahí fue donde en un principio pensaban poner el punto y final a la aventura, pero el gran éxito que tuvo les hizo seguir con más series, en un principio independientes entre sí salvo por colaboraciones ocasionales entre dos grupos de rangers en plan nostálgico, o la aparición de algunos de la temporada anterior en los primeros episodios.

Aunque hay que hacer una excepción con dos personajes que fueron toda una constante temporada tras temporada. Bulk y Skull eran los matones tontolabas de Angel Grove y supuestamente el recurso cómico de la serie. Por lo general resultaban bastante cargantes y cansinos. Obsesionados con descubrir la identidad de los Power Rangers como obsesionados con dejar mal o humillar a los seis amigos de Angel Grove. A medida que avanzó la serie sí que tuvieron algún ramalazo de valentía, se metieron a policías, a detectives e incluso a científicos. Aunque gozaban de la simpatía de muchos, no era mi caso.

Ya sea en el colegio, en el parque o con hermanos o primos, resultaba bien fácil jugar a Power Rangers. Cada uno se pedía un color y a salir al prado o por la cuesta a hacer el tolai, poner poses molonas y atacarnos en un combate muy teatralizado. Aunque había "bofetadas" por ser el rojo, yo prefería quedarme con el azul. No sé, al igual que en las Tortugas Ninja con Donatello, me gustaba el personaje empollón o nerd como se diría ahora. En su defecto, intentaba ser el negro, y si no, pues de villano. Obviamente al ser chicos y algunas veces al excedernos de número pues podía darse el caso de inventarse colores... siempre y cuando fuesen "varoniles", obviamente nada de rosa.

Por eso creo que es esa sencillez. Comando de colorines que hace frente al mal. Cada uno con un color, un animal, una técnica o una paranoia distinta. Esa idea tan simple pero tan maleable y que los niños pueden empatizar más con uno u otro. Si a eso le sumamos los juguetes oficiales tan golosos... pero yo ni tuve de esos ni me importó (lo que se pudo forrar Bandai con los condenados juguetes). A mí me interesaba más la lucha y la dramatización que representábamos, cuando esos personajes los hacíamos nuestros. Sí, fuí a ver las dos películas al cine, incluso me quedé en shock cuando al final en los créditos de la primera todos los niños estaban en el pasillo de la sala bailando el tema de los créditos del dueto Shampoo, que por ese año tuvieron otros dos "éxitos" más.


Hacia el año 2000 lo podíamos ver en Fox Kids, cuando Power Rangers y Pokemon era lo único que ponían. En 2001 Saban Entertainment fue vendida a Disney, que es quien se encargó de producirla hasta 2009. A medida que pasa el tiempo van bajando de número de episodios. En 2011 Saban recuperó la marca y con la ayuda de Nickelodeon comienza a producir sagas cada dos años de 22 a 25 capítulos cada una, con la diferencia de que la segunda mitad lleva el adjetivo "Super" en el título. Obviamente son productos del momento y uno dificilmente pueda volver a apreciarla en otras dimensiones de lo que es: un producto de entretenimiento infantil perecedero. A pesar de esa música de introducción y de ese solo de guitarra que nos parecía un auténtico pasote, y esos coros que apenas decían un par de frases, ya servían para captar nuestra atención y pese a tanta repetición de las transformaciones, invocaciones de los vehículos o 'zords' y la misma coreografía de ataques especiales una y otra vez no nos importaba.

Al ver los resúmenes y críticas realizadas por Linkara, un crítico de internet de la misma productora que Nostalgia Critic puedo repasar los argumentos y cosas que sucedieron posteriormente. Como cierre, publico un poco de eye candy personal con los "mejores" xDD.

Morphin' Time!!
... o lo que viene siendo...:
¡A metamorfosearse!

¿Qué recuerdos tienen de la serie? ¿Jugaban a ser Power Rangers? ¿A quién se solían pedir?

Adam: 2º Ranger negro


















Rocky: 2º Ranger rojo




Carlos: Turbo Ranger verde y Space Ranger negro



















Leo: Space Ranger rojo

















 
Kai: Space Ranger azul

















Chad: Lightspeed Ranger azul














Lucas: Time Force Ranger azul
Trip: Time Force Ranger verde





Dustin: Ranger ninja de viento amarillo



















Blake: Ranger ninja de trueno marino


Trent: Dino Ranger blanco

Sam: SPD Omega Ranger















Nick: Mystic Ranger rojo
Dax: Overdrive Ranger azul






















 Theo: Jungle Fury / Master azul
Scott: Ranger Operator Series rojo
Ziggy: Ranger Operator series verde

















Kevin: Samurai Ranger azul
Mike: Samurai Ranger verde
Antonio: Samurai Ranger dorado












Troy: Megaforce rojo
 












Koda: Dino Charge Ranger azul
Tyler: Dino Charge Ranger rojo
 

Tyler y Koda

7.06.2015

Las mejores películas de Disney: Era moderna - animación tradicional (15 - 13)

Nueva entrega del ranking

15.- TREASURE PLANET (El planeta del tesoro - 2002)

El clásico de Robert Louis Stevenson se ha adaptado al cine en innumerables ocasiones, y de hecho Disney es la responsable de alguna de las más memorables. Desde el cine mudo, actores infantiles como Jacky Cooper o Bobby Driscoll han sido los Jim Hawkins de turno. Unas cuantas soviéticas, anime, una con Orson Welles, otra muy recordada con los teleñecos e incluso una semi desconocida con Christian Bale, Charlton Heston, Christopher Lee y otros secundarios de renombre. La gran pregunta podría ser... ¿por qué llevarlo al espacio?

La isla del tesoro es de las novelas más influyentes que se hayan publicado. Los piratas de parche en el ojo y pata de palo, los mapas con una equis y mucha más iconografía que se asocia a los piratas se lo debemos a esta novela de la segunda mitad del siglo XIX, cuando lejos quedaba la era de oro de la piratería en el Caribe. La complejidad moral y el paso a la madurez también son aspectos reseñables... ¿pero cómo se reproduce un relato que cuenta el romanticismo del pasado hacia el futuro? ¿Cómo hacer que el mensaje sea válido para los jóvenes actuales?

La animación por ordenador está pegando con fuerza, y ya no son breves escenas dentro de un videojuego o cortometrajes y anuncios, sino que Toy Story demostró ser capaz de mucho más, y hasta la fecha de la película que nos ocupa, Toy Story 1 y 2, Bichos, Dinosaurio, Antz, Shrek, Ice Age o la primera película de Final Fantasy --aquella que se gastaron casi todo el presupuesto en animar el cabello de la protagonista-- demostraron que se pueden hacer largometrajes por ordenador. Esta categoría tendrá su propio ranking, así que pasamos a la combinación de técnicas. Desde Tarón y el caldero mágico, Disney viene introduciendo algunos elementos digitales en 3D en sus producciones de animación tradicional. Puede no resultar tan evidente como cuando se fusiona con la imagen real, como es el caso de Quién engañó a Roger Rabbit, Cool World o Space Jam, pero combinadas y usadas con cabeza pueden generar cosas muy interesantes en donde el CGI "no cante a CGI". Puede ser sutil, algo intermedio como Titan A.E. (película con la que comparte muchísimos aspectos) o auténticos pegotes como las películas de Pokemon y Digimon. El planeta del tesoro a mi parecer es la película que mejor integra la animación tradicional con la de ordenador, y esa es su mejor virtud.

Honestamente, la primera vez que uno ve esta película no le dice gran cosa o la califica como prescindible. Sin embargo, ha envejecido muchísimo mejor que muchas contemporáneas, y se observa la animación con otros ojos. No nos engañemos, seguimos en la mitad inferior de la tabla, pero ha ganado muchos enteros y ha adelantado a otros títulos más 'clásicos' en mi lista. Opinión personal: los 90 son gloriosos. Todo es "extremo" o "radical". Los protas montan en skate, llevan ropas holgadas y coloridas y una gorra con la visera curvada, no como las tiesas de los macarras de hoy en día. Al entrar al colegio saltas la última sección de escaleras aún a riesgo de escalabrarte el tobillo porque mola. Esto comenzaría a desaparecer en el año 2000, pero aquí aún sigue vivo.

El protagonista no es un joven risueño ansioso de conocer mundo, sino que es un rebelde soñador que busca un sitio en el que encajar. La película arranca con una escena inolvidable del joven Jim Hawkins a bordo de su aerodeslizador que se convierte en una especie de tabla de windsurf. A continuación viene un bajón bien grande, en donde conocemos al pomposo y sabihondo compañero que le suceden todas las bromas físicas y que le acompañará su interés amoroso platónico, los secuaces bien tontos, y para rematar un robot irritante que pretende ser el recurso cómico. Sin embargo, tiene muchos detalles sombríos y muertes inesperadas.

Por último quisiera reseñar la música, en concreto el tema principal. "I'm Still Here" de John Rzeznik creo que es de los mejores de Disney. Musicalmente no es que sea extraordinario ni rompedor, pero sabe captar a la perfección la esencia de la película y del personaje principal descontento con su entorno y deseoso de encontrar un lugar y una gente con los que encajar.
-o-

14.- OLIVER & COMPANY (Óliver y su pandilla - 1988)


Seguimos con una de las películas más olvidadas del estudio. Curiosamente se trata de otra adaptación extraña, esta vez de Oliver Twist, que cambia Londres por Nueva York, la Revolución Industrial por la actualidad, y los niños protagonistas... ¿Cómo lo puedo decir? Bueno, tratándose de Disney, no sorprende: los niños protagonistas por animales. Oliver es un gatito que en lugar de encontrarse en un tiránico orfanato, está en una caja de cartón con otros tantos mininos peludos y adorables esperando que la gente se los lleve a cambio de cinco dólares, como si fuese peor que un puesto ambulante de fruta. Desgraciadamente él es el único gato que se queda sin adoptar, ni siquiera gratis. La lluvia cae, la caja se rompe y queda a la merced de la Gran Manzana, con su despiadado ritmo de vida e inhumanidad. La escena es conmovedora, más aún cuando suena de fondo 'Once Upon a Time in New York City', un tema que encaja a la perfección con el momento, algo que Huey Lewis no logró con Regreso al futuro.

A Oliver le agarra hambre y ahí es cuando aparece 'the Artful...' bueno, aquí es Dodger a secas, un chucho con aires de terrier ultracool con una bandana al cuello y un acento neoyorquino bien forzado. No tiene la misma edad que Oliver, sino que es un perro adulto. Le da voz Billy Joel, otro cantante desfasado en su única aparición como actor. Pronto comienza 'Why Should I Worry?' el tema principal de la película con ritmo y mucho coolness. Estamos en los 80, hoy se diría suaj o postureo.

Pronto conoce al resto de la pandilla: todos perros y todos adultos. Rico es un chihuahua latino hiperactivo con todos los estereotipos habidos y por haber. Francis es un bulldog melodramático enamorado del teatro shakespeariano. Rita es una perra de armas tomar que intenta ser una aproximación a Nancy del libro (pero sin ser prostituta) y Einstein es un viejo y grandote gran danés algo bobo. Todos están al cargo de Fagin, que a diferencia del libro y el musical, aquí es un pobre hombre de mediana edad humilde que intenta ganarse la vida, pero sobre todo ser feliz con sus camaradas, a quienes trata como hijos y les procura comida, refugio, cariño y cuentos por las noches que los perros escuchan con admiración. Los perros a cambio le proporcionan los botines de sus robos y mucho más, ya que el pobre Fagin es un desastre. Le presta su voz todo un clásico de los dibujos animados de la época, sobre todo de las películas de Don Bluth como Dom DeLuise.

El peor de los males es rendirle cuentas a un usurero millonario y cruel como Sykes (también a secas), siempre en su limusina con su puro hediondo y sus dos dobermann como secuaces. Su frialdad e interpretación a cargo de Robert Loggia también son tremendos. Tras un plan fallido, Oliver se queda en la limusina de una familia adinerada, y la niña le adopta. Viven en una mansión con su correspondiente mayordomo-chófer con acento británico. Allí vive Georgette, una caniche ultrapija que le da voz Bette Midler. Vaya, esta película está repleta de cantantes casposos. El único cometido de este personaje es que cante una canción, y que haga de interés amoroso de Rico el chihuahua.

A medida que la historia avanza, se va separando de la novela de Dickens. El secuestrado pasa de ser Oliver a la niña. Rescate, redención y una de las muertes del villano más chocantes de Disney. La película es bien corta, apenas supera la hora de duración, y la verdad es que la animación tiene un efecto bastante sucio sobre todo al principio, pero logra mantener entretenido al espectador con unos personajes que ya habíamos visto en La dama y el vagabundo como los compañeros de la pandilla. No es nada pretenciosa y cumple lo que promete. Seguimos en la parte baja pero vamos viendo la luz.
-o-


13.- THE BLACK CAULDRON (Tarón y el caldero mágico - 1982)

Hoy es el turno de las adaptaciones literarias. No nos encontramos ante una película cualquiera. Probablemente sea la más estigmatizada de todas y la que mayor leyenda negra trae consigo. La película que por poco se carga el estudio. No intenten buscar merchandising de ella en los parques Disney o tiendas especializadas, porque no hay. Este proyecto se retrasó indefinidamente una y otra vez. Pasó por una barbaridad de directores y guionistas, y causó que grandes animadores del estudio se terminasen marchando. Gente como Tim Burton o Don Bluth y muchos más, incluidos los propios directores de la película abandonaron los estudios a finales de los 80 y principios de los 90. ¿Pero qué pasó en esa época?

Animación "no Disney" pide paso

El mundo de la animación se pluralizó, y desde los 70 eran más y más los estudios que se animaban a hacer películas. Yellow Submarine de los Beatles data de 1968. Las primeras películas de clasicos del comic como Charlie Brown, Astérix o Tintin también son del final de la década. Las películas clásicas del estudio japonés Toei se empiezan a distribuir por el mundo. MGM no tuvo éxito en 1970 con The Phantom Tollbooth, una película basada en una novela juvenil del viaje mágico de un niño a una tierra de fantasía en un coche rojo, donde encuentra amigos y aventuras. Sin embargo, el tono se volverá oscuro y mucho más adulto con Ralph Bakshi, quien es el autor de Fritz el gato, Heavy Traffic, Wizards, El señor de los anillos o Tygra: hielo y fuego ya en 1983. Clásicos como Charlotte's Web o Rebelión en la granja. Desde Reino Unido llegaban cosas tan lúgubres y sangrientas como Watership Down (Orejas largas) o Los perros de la plaga, y la fantasía y ciencia ficción iba en ascenso con Heavy Metal y hasta las cosas más sencillas se volvían tenebrosas en NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby. Los dibujos animados dejaban de ser cosa de niños.

¿Cómo puede intentar Disney ser más adulta? Probando primero a adaptar una novela juvenil de éxito. En este caso, Las crónicas de Prydain de Lloyd Alexander fue la obra elegida, y así la película adapta temas de los dos primeros libros de la saga de cinco, especialmente del segundo, El caldero negro. Pese a que la saga cuente con alguna que otra distinción, NO es El señor de los anillos, ni Terramar, ni Narnia, ni Pratchett, ni Eddison, ni R.R. Martin (que lleva escribiendo y ganando premios desde 1976). Estas crónicas inspiradas en el folklore galés no han tenido tanta repercusión como otros tantísimos escritores de mediados del siglo XX. Su tono sombrío y su violencia fue un quebradero de cabeza para Disney. Unos treinta personajes principales, numerosas batallas, el transcurso de la acción ocupa décadas. Muchas discusiones hubo, y Jeff Katzenberg (recién elegido jefe de animación de la época, futuro "desertor" y socio de Spielberg en Dreamworks) usó la tijjera a diestro y siniestro. El protagonista se encuentra con la boca y la barbilla ensangrentadas tras un ataque de los malos. Se encuentra con un cadáver fresco en un carro (Mufasa no fue el primer cadáver que mostró Disney). Con una espada mágica mata a varios enemigos (muchas de estas escenas fueron censuradas en la versión final). El villano tiene una de las muertes más impactantes y gráficas que se hayan visto, al ser desgarrado y desintegrado lentamente entre gritos de agonía. 

Taran (Tarón en español) es un joven mozo de cuadra cuya mayor labor es la de cuidar a una cerdita con poderes clarividentes llamada Hen Wen. El hechicero dueño de la granja al ver la oscuridad acechar, le manda que la ponga a salvo al otro lado del bosque. Taran sueña con ser caballero, y en una de esas ensoñaciones, en apenas 9 segundos, la cerda se escapa. Se encuentra con el animalejo parlante de turno llamado Gurgi que le roba una manzana. El muchacho arma un gran drama por una maldita manzana, y el bichejo es de lo más mentiroso y repugnante, además de contar con una voz bastante odiosa. Toda esa discusión para que los malos se apoderen de Hen Wen y la lleven al castillo de The Horned King. Este rey con cuernos que se llamó el Rey del mal en Español.

¿Qué decir de este villano? Es lo mejor de la película. Originalmente es un secundario en la saga, pero convertirlo en el malo principal fue un gran acierto. Su animación lenta y tétrica es impresionante, y si le añadimos la voz de William Hurt ya sobrepasa a muchos villanos clásicos del estudio. El muchacho encuentra a la cerda pero le capturan. Logra escapar gracias a la princesa Eilonwy (Elena en español) y su orbe de luz. ¿Por qué es una princesa? ¿Hay algo relevante que lo indique en el argumento? No. Lo es porque sí. También rescatan a Fflewddur Fflam (Fausto Flama), un bardo 
Diseños originales de la película.
que hace desafortunadamente de recurso cómico, y cada vez que miente se quiebran cuerdas de su arpa... pero que se regeneran sin problemas. Logran escapar, localizar el rastro de la cerda, descubrir un mundo de gnomos y viajar al paradero del caldero mágico, custodiado por tres brujas para evitar que el rey lo consiga... algo inútil ya que el rey recupera el caldero y captura a los protagonistas, demostrando que son increíblemente inútiles. El caldero sólo se destruirá mediante un sacrificio, y es Gurgi el encargado de saltar a su interior y destruir así al rey y su ejército. Taran devuelve el caldero negro a cambio de la vida del animalejo y así revive para dar más por saco. Fin.

Fuera lo tétrico, bucólico 100%, lalalaaa...
Las discusiones y los problemas de producción que van a dar a un presupuesto desorbitado los volveremos a ver en Tangled (Enredados - 2010) pero sobre todo el gran recelo que tuvo la compañía a que saliera a la luz. Tras el batacazo comercial, intentaron cambiarle el título en su lanzamiento internacional y le pusieron Taran and the Magic Cauldron, remedio chapucero que fue el que nos llegó. Si nos pareció excesivo los casi dos años de espera para disponer de El rey león en nuestra videoteca (y a un precio elevadísimo de 3.495 pesetas), la película que nos ocupa tardó 13 años en comercializarse en VHS. El estudio pasó por un cambio de dirección, huelgas, enfrentamientos generacionales y mucho más

La película tiene sus momentos y es entretenida, pero por momentos también es una verdadera apestosidad. Uno se cansa de los personajes bastante rápido, y sorprende que Disney dijese que esto lo iba a petar tanto como Blancanieves en su día. La animación por lo general es bastante buena, pero hay momentos algo rancios. ¿Por qué está tan arriba en la lista? Por ser tan distinta, por el tono sombrío y por ese villano. Es cierto que la he subido un par de puestos más de lo que le correspondía porque no creo que merezca tal vil linchamiento. La película tuvo muchas contribuciones que sin ellas, Disney no sería lo que hoy en día es. Y por si acaso, saldré al paso de las preguntas malintencionadas: la prefiero cien mil veces al pescado cantarín con síndrome de Diógenes que se vuelve muda y analfabeta porque se encapricha del primero que ve.

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Y así va la cosa:

22.- HOME ON THE RANGE (Zafarrancho en el rancho - 2004)
21.- THE LITTLE MERMAID (La sirenita - 1989)
20.- POCAHONTAS - (1995)
19.- THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME (El jorobado de Notre Dame - 1996)
18.- ATLANTIS (2001)
17.- THE EMPEROR'S NEW GROOVE (El emperador y sus locuras - 2000)
16.- HERCULES (Hércules - 1997)
15.- TREASURE PLANET (El planeta del tesoro - 2002)
14.- OLIVER & COMPANY (Óliver y su pandilla - 1988)
13.- THE BLACK CAULDRON (Tarón y el caldero mágico - 1982)
12.- ?
11.- ?
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6.13.2015

Mi Top 10 de personajes que incluir en Smash Bros U



Al igual que cuando se reveló la alineación original, todos andan especulando y pidiendo a determinados personajes. Aquí está una especie de mi lista de peticiones, o los personajes que más veo que encajen.

Obviamente tienen que ser personajes de la factoría Nintendo o bien que hayan sido cruciales y se les asocie fácilmente, así que nada de Goku, Shovel Knight o Kratos. Esto no es un "vale todo". Deben de ser representativos de su franquicia, no vale un secundario esporádico o un minion puntual, ni tampoco de franquicias en los que ya hay demasiados.

También todos aquellos que me conozcan sabrán cuánto me repugna y me ofenden las sagas de Pokemon y Metroid, así que en la próxima lista no se encontrarán mención alguna.

En cuanto a los que pueden que incluyan, para mí Lucas además de ser increíblemente inútil, es un mero traje de Ness, o su versión (aún más) inútil. 


10.- Will Wedgewood / Wonder Red - (The Wonderful 101)

Aprovechando la promoción y autobombo de este título, cuenta con un gran diseño y muchas posibilidades de ataques. Una alternativa con ese diseño parecido sería Viewtiful Joe, con presencia en varios juegos de Gamecube y DS.

9.- Rabbid - (Serie Rayman Raving Rabbids)

La serie ha publicado varios títulos para Wii y DS. Pistola desatascadora, modo de pelea alocado y trajes de lo más variados como alternativa. Habría que pedirle permiso a Ubisoft, claro está. El otro inconveniente es que creo que en Japón no son muy populares, y habrá mucha gente que los confunda con los minions de Gru, pese a ser los Rabbids muy anteriores.


8.- Travis Touchdown - (serie No More Heroes)

Si lo he puesto tan bajo es por el tono tan violento de la serie. Hacerlo encajar en esa pelea "amistosa" para toda la familia se me hace un poco raro, aunque no tanto como meter al prota de Madworld, por ejemplo. Luego están los que opinan que ya hay demasiados espadachines en la alineación existente, que sería un punto en su contra.


7.- Kensuke Kimachi - (serie 1080º)

Pues sí, no hace falta frotarse los ojos. Estaría bien un nuevo juego de 1080º para WiiU, o aumentar los deportes de invierno. Y sí, prefiero ver a un tipo surfeando con su tabla de snowboard dando toñas que a un solo pokemon más en el juego. Y si no, pues metan a Ryota Hayami del Wave Race 64 y su secuela, o a su hermana Akari, que también estaba en el 1080º... PERO NI UN P*TO POKEMON MÁS.


6.- Isaac - (serie Golden Sun)

Antes de sacar más y más secundarios de Fire Emblem... ¿por qué no fijarse en otras cosas ya existentes? Golden Sun marcó una época en GBA y en los JRPGs en general. Estaría bien rescatar a alguien de esa época.


5.- Erdrick - (serie Dragon Quest)

Ya que hablamos de RPG... qué mejor que incluir una de las sagas más clásicas. Al igual que Final Fantasy, los primeros juegos se desarrollaron en Nintendo, pero si bien las entregas de FF son independientes entre sí, y no vas a poner a pelear a un Chocobo o a una invocación a dedo, la solución está en el guerrero legendario Erdrick, crucial en la primera trilogía de la saga. ¿Problema? Uno, el ya mencionado tema de "demasiados espadachines" o el hecho de que fuera de Japón la serie no tiene el cariño que se merece, pero como lo desarrollan ellos... pues oye, ahí lo dejo.


4.- Profesor Layton - (serie Profesor Layton)

Es un detective pacífico, simpático y amante del té y de los Puzzles... aunque también le hemos visto manear su bastón estoque. De lucha no sangrienta, puede encajar bien en la saga.


3.- Goemon (serie Ganbareh Goemon)

Volvemos al caso de Dragon Quest. Fuera de Japón no tuvo bastante éxito, ni se le pudo ver, pero es bastante simpático y con muchas posibilidades de lucha. De Konami ya estuvo Snake en el pasado, y muchos piden a Simon Belmont de los primeros Castlevania, pero en una lucha tipo Smash, creo que el mítico ninja de Oedo encajaría mejor.


2.- King K. Rool (serie Donkey Kong)

¿Se necesitan personajes de peso pesado? Que entre el villano de Donkey Kong. Rare, hoy en día parte de Microsoft, ya dejó claro que no había ningún problema, así que manos a la obra. Los Donkey Kong Country y Land, el de 64... no será por aparición en juegos.


1.- Banjo y Kazooie (serie Banjo Kazooie)

¿Acaso había alguna duda? Gran diseño, multitud de ataques y combos... el único problema es que ya han metido a otra mascota con un pájaro a su espalda como el perro de Duck Hunt, pero... qué carallo. Tienen que estar dentro sí o sí.